Al hablar de belleza en el arte, no se puede dejar de penetrar en la cultura griega y su legado en cuánto a los cánones que los griegos crearon con respecto a su concepción de belleza en el arte, y las hermosas obras que gracias a que Roma copió y guardó, aún se conservan.
Lo que quiero decir, es que sin la concepción de los griegos de la belleza, no tendríamos un parámetro para medirla. Sin los cánones que ellos establecieron y que nos dejaron como ejemplo. Aunque al hablar de perfección me suena un poco neurótico el término dentro de lo que uno conoce como arte.
Lo que quiero decir, es que sin la concepción de los griegos de la belleza, no tendríamos un parámetro para medirla. Sin los cánones que ellos establecieron y que nos dejaron como ejemplo. Aunque al hablar de perfección me suena un poco neurótico el término dentro de lo que uno conoce como arte.
Siempre hay un oficio que seguir para poder desarrollar una técnica que nos lleve a buscar lo mejor que podemos hacer. Los griegos nos legaron cánones que según sus observaciones, servirían para concebir una representación del hombre perfecta, en la escultura. Esta capacidad, que si bien es una característica de su cultura, la podemos utilizar y asi comprender su legado y también mejorar nuestras propias facultades artísticas.
Grecia es una civilización quizá más mágica que la de los egipcios. Los griegos compartieron con el resto de las civilizaciones sus descubrimientos. Por ser una cultura de características más individualistas, Egipto se guarda para sí sus misterios y solo nos los revela con un lenguaje propio, el que hemos tenido que estudiar durante bastante tiempo para poder entender y traducir. Grecia se convierte en una cultura universal que llega a todas las demás culturas de su época, y se expande de tal manera que aún ahora tenemos como ejemplo en el arte y la belleza, la perfección que lograron con su técnica artística.
El arte griego se revela al mundo a través de su arquitectura y de su escultura.
Todo esto que arduamente trato de explicar tiene un fondo muy simple. Si la comparamos con la de los egipcios, la geografía de los griegos era bastante más accesible que el desierto desolado, inmenso y hermético donde les correspondió vivir a los egipcios. He ahi la diferencia de estas dos culturas. El aislamiento de Egipto, y la proximidad de Grecia hacia otras culturas y civilizaciones marcan la diferencia en la concepción de vida de estas dos culturas.
Grecia es un fecundo terruño en que el paisaje inspira directamente al artista, haciéndose el propio paisaje modelo de sus obras. Por ejemplo, las reducidas dimensiones del país y la variedad de parajes. La naturaleza no se les presentó ante los griegos con una sensación absorbente de la grandeza o la impresión inquietante de accidentes geográficos prodigiosos.
Grecia es una civilización quizá más mágica que la de los egipcios. Los griegos compartieron con el resto de las civilizaciones sus descubrimientos. Por ser una cultura de características más individualistas, Egipto se guarda para sí sus misterios y solo nos los revela con un lenguaje propio, el que hemos tenido que estudiar durante bastante tiempo para poder entender y traducir. Grecia se convierte en una cultura universal que llega a todas las demás culturas de su época, y se expande de tal manera que aún ahora tenemos como ejemplo en el arte y la belleza, la perfección que lograron con su técnica artística.
El arte griego se revela al mundo a través de su arquitectura y de su escultura.
Todo esto que arduamente trato de explicar tiene un fondo muy simple. Si la comparamos con la de los egipcios, la geografía de los griegos era bastante más accesible que el desierto desolado, inmenso y hermético donde les correspondió vivir a los egipcios. He ahi la diferencia de estas dos culturas. El aislamiento de Egipto, y la proximidad de Grecia hacia otras culturas y civilizaciones marcan la diferencia en la concepción de vida de estas dos culturas.
Grecia es un fecundo terruño en que el paisaje inspira directamente al artista, haciéndose el propio paisaje modelo de sus obras. Por ejemplo, las reducidas dimensiones del país y la variedad de parajes. La naturaleza no se les presentó ante los griegos con una sensación absorbente de la grandeza o la impresión inquietante de accidentes geográficos prodigiosos.
Se les apareció con un encanto familiar. Un mundo físico para ser admirado y querido dulcemente; forzosamente los sentidos afloraban sin provocar resistencias del espíritu. Un museo de bellas imágenes se ofrecía de manera natural, cuya configuración precisa se fundía en los recovecos de la memoria, de un ritmo general que actuaba de moderador del gusto y de guía de la mano del artista.
Es asi como la civilización griega se considera una de las épocas más brillantes de la historia de la humanidad por sus aportes la filosofía, el arte y el saber general. En lo referente al arte, es evidente como sus ideales y logros influyen en el arte occidental hasta bien entrado el siglo XIX. Las ideas rectoras de la filosofía que moldeó su cultura en general son humanismo, idealismo y racionalismo.
El humanismo griego exalta al hombre como "medida de todas las cosas", se concebía como la máxima de las creaciones y su capacidad para razonar como la mejor de sus cualidades. En relación íntima con el racionalismo surgió el idealismo, que dominó al arte griego. El idealismo trataba de representar el mundo como lo percibía la mente, en lugar de cómo lo captaban los sentidos. Estas ideas se plasman en la arquitectura y en la escultura con la aplicación de los conceptos de orden arquitectónico y canon de belleza, que se define intelectualmente como la armonía de las partes en el todo. De este modo el estilo artístico desarrollado por la cultura griega, se caracteriza por la búsqueda de la belleza ideal.
La aportación artística griega resulta inconmensurable a la vista de los siglos, pero ya gozaba de una enorme trascendencia y reconocimiento en su propio tiempo. Los artistas eran personajes apreciados socialmente y su prestigio era directamente proporcional a sus habilidades artesanales. El templo fue sin duda, uno de los legados más importantes de la arquitectura griega a occidente. Con el tiempo, estos edificios de mármol blanco, pintados con colores vivos, se van estilizando y se desarrollan los tres órdenes arquitectónicos, soluciones estructurales y ornamentales sometidas a principios racionales, que presuponen proporción entre las partes, medida y armonía, y que caracterizan, las distintas etapas de la arquitectura griega.
Cultura y Sociedad
La edad media helénica representa un período de transición y ajustamiento durante el cual el pueblo helénico crea las bases de su propia civilización, se organiza socialmente y madura poco a poco sus dotes intelectuales y artísticas. La sustancial novedad del mundo griego y de sus manifestaciones artísticas es también una consecuencia de la nueva organización social. Los temas tratados por los artistas sumerios, egipcios, asirios o persas eran, en cierto sentido obligatorios: se debía exaltar la divinidad o al soberano, según las rígidas normas impuestas por la corte o por los sacerdotes. En la Hélade se afirma, en cambio, la ciudad-estado independiente y democrática; en ella todo individuo incluso el artista, tiene la posibilidad de expresarse con la más completa libertad. Esta libertad representa la condición ideal para el desarrollo de cada género artístico. En el período más antiguo de las organizaciones en tribu, las ceremonias religiosas de la sociedad griega se desenvolvían en pequeñas capillas ubicadas en el interior de los palacios de los aristócratas que imponían su poder a los súbditos. Pero con el nuevo régimen democrático se hizo necesaria la construcción de edificios sagrados para recoger las manifestaciones religiosas de una multitud de devotos. Nacieron así los templos, destinados además a constituirse en la expresión del sentimiento de nacionalidad que siempre distinguió al pueblo heleno.
El Arte
Lo que distingue el arte griego de todos los precedentes es su fuerza tanto moral como estética; o sea la importancia que se le da a la idea de lo justo y de lo bello. Los griegos descubrieron el equilibrio entre el sentimiento, las pasiones humanas y el orden racional que gobernaba el universo. Consideraron al hombre como medida y símbolo de este equilibrio que concilia las dos tendencias opuestas de la naturaleza: razón e instinto, orden y fantasía. Expresaron admirablemente estos conceptos en su arte, al que imprimieron un carácter verdaderamente único e inigualable.
La concepción del arte griego no va a responder a criterios religiosos, en cuanto que no se trata de una religión revelada, ni tampoco impuesta por la clase dominante, sino más bien fue la expresión de un pueblo que creó un complicado entramado mítico para dar respuesta a íntimas interrogantes sobre el origen del mundo. Así, el artista griego es un ciudadano libre que ejercita libremente su profesión, sin ataduras ni condicionamientos impuestos por la autoridad, creando un arte que es la manifestación del sentir estético de un pueblo, que lo interpreta como “mimesis”, imitación de lo bello natural, y para quien la belleza posee un carácter matemático y se identifica con la proporción geométrica. Por ello estos artistas crearon unos sistemas proporcionales, canónicos, basados en la experiencia natural como reflejo de la propia armonía que rige la Naturaleza.
La figura humana centró el interés del artista griego, y el escultor en particular atendió a sus formas anatómicas como organismo vivo y a la relación proporcional entre sus partes como ideal y fundamento de belleza, en busca de la expresión de un idealismo que trasciende lo sensitivo.
La cultura griega, con respecto a otras civilizaciones fue de mucho más breve duración: basta un milenio para encuadrar su nacimiento, la brillante época de su florecimiento y su decadencia sucesiva, pero en compensación realizó un arte tan maduro, tan perfecto en todas sus manifestaciones que continúa siendo todavía la base de la cultura y del arte occidental. --> Arte y Arquitectura
Cultura y Sociedad
La edad media helénica representa un período de transición y ajustamiento durante el cual el pueblo helénico crea las bases de su propia civilización, se organiza socialmente y madura poco a poco sus dotes intelectuales y artísticas. La sustancial novedad del mundo griego y de sus manifestaciones artísticas es también una consecuencia de la nueva organización social. Los temas tratados por los artistas sumerios, egipcios, asirios o persas eran, en cierto sentido obligatorios: se debía exaltar la divinidad o al soberano, según las rígidas normas impuestas por la corte o por los sacerdotes. En la Hélade se afirma, en cambio, la ciudad-estado independiente y democrática; en ella todo individuo incluso el artista, tiene la posibilidad de expresarse con la más completa libertad. Esta libertad representa la condición ideal para el desarrollo de cada género artístico. En el período más antiguo de las organizaciones en tribu, las ceremonias religiosas de la sociedad griega se desenvolvían en pequeñas capillas ubicadas en el interior de los palacios de los aristócratas que imponían su poder a los súbditos. Pero con el nuevo régimen democrático se hizo necesaria la construcción de edificios sagrados para recoger las manifestaciones religiosas de una multitud de devotos. Nacieron así los templos, destinados además a constituirse en la expresión del sentimiento de nacionalidad que siempre distinguió al pueblo heleno.
El Arte
Lo que distingue el arte griego de todos los precedentes es su fuerza tanto moral como estética; o sea la importancia que se le da a la idea de lo justo y de lo bello. Los griegos descubrieron el equilibrio entre el sentimiento, las pasiones humanas y el orden racional que gobernaba el universo. Consideraron al hombre como medida y símbolo de este equilibrio que concilia las dos tendencias opuestas de la naturaleza: razón e instinto, orden y fantasía. Expresaron admirablemente estos conceptos en su arte, al que imprimieron un carácter verdaderamente único e inigualable.
La concepción del arte griego no va a responder a criterios religiosos, en cuanto que no se trata de una religión revelada, ni tampoco impuesta por la clase dominante, sino más bien fue la expresión de un pueblo que creó un complicado entramado mítico para dar respuesta a íntimas interrogantes sobre el origen del mundo. Así, el artista griego es un ciudadano libre que ejercita libremente su profesión, sin ataduras ni condicionamientos impuestos por la autoridad, creando un arte que es la manifestación del sentir estético de un pueblo, que lo interpreta como “mimesis”, imitación de lo bello natural, y para quien la belleza posee un carácter matemático y se identifica con la proporción geométrica. Por ello estos artistas crearon unos sistemas proporcionales, canónicos, basados en la experiencia natural como reflejo de la propia armonía que rige la Naturaleza.
La figura humana centró el interés del artista griego, y el escultor en particular atendió a sus formas anatómicas como organismo vivo y a la relación proporcional entre sus partes como ideal y fundamento de belleza, en busca de la expresión de un idealismo que trasciende lo sensitivo.
La cultura griega, con respecto a otras civilizaciones fue de mucho más breve duración: basta un milenio para encuadrar su nacimiento, la brillante época de su florecimiento y su decadencia sucesiva, pero en compensación realizó un arte tan maduro, tan perfecto en todas sus manifestaciones que continúa siendo todavía la base de la cultura y del arte occidental. --> Arte y Arquitectura
La función principal de la arquitectura, la pintura y la escultura monumental fue de carácter público ocupándose de asuntos religiosos y de la conmemoración de los acontecimientos civiles más importantes, como las competiciones atléticas.
La prosperidad del arte industrial era entre los griegos una fuente de riqueza. Era también un motivo de honor: Ensalzaron a los mejores ceramistas de igual modo como honraron a pintores y escultores.
La Pintura
No se sabe gran cosa de lo que fue la pintura griega del siglo IV antes de Jesucristo, aunque se conozcan nombres de artistas famosos. Han desaparecido las obras y solamente quedan las descripciones literarias, indicándonos para la pintura una evolución análoga a la de humanización de la escultura coetánea: un paso de los temas mitológicos a los temas de vida familiar y social, conquista de la expresión característica individual , graduación de la intensidad de dolor en varios personajes.
Finalmente el apogeo de la pintura alegórica y del retrato. El más importante progreso fue logrado desde los últimos años del siglo V, cuando los pintores aprendieron a sombrear sus figuras y a dar a sus obras la sensación espacial y la sensación volumétrica.
La Pintura
No se sabe gran cosa de lo que fue la pintura griega del siglo IV antes de Jesucristo, aunque se conozcan nombres de artistas famosos. Han desaparecido las obras y solamente quedan las descripciones literarias, indicándonos para la pintura una evolución análoga a la de humanización de la escultura coetánea: un paso de los temas mitológicos a los temas de vida familiar y social, conquista de la expresión característica individual , graduación de la intensidad de dolor en varios personajes.
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Primero las vasijas cerámicas eran decoradas con la técnica de las figuras negras que se pintaban en engobe negro sobre el color rojo de la arcilla |
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| Luego, los vasos decorados con la técnica de las figuras rojas, una técnica pictórica a la invers, es decir, el fondo se pintaba de negro, dejando las figuras en el color rojo de la arcilla |
Finalmente el apogeo de la pintura alegórica y del retrato. El más importante progreso fue logrado desde los últimos años del siglo V, cuando los pintores aprendieron a sombrear sus figuras y a dar a sus obras la sensación espacial y la sensación volumétrica.
Los contactos comerciales por vía marítima con Asia Menor y Oriente Medio van a relacionar las dos corrientes fundamentales que darán origen al arte griego:
La dórica, formalista, con tendencia a lo simbólico y abstracta en lo decorativo, que aporta un riguroso sistema proporcional y la jónica, más naturalista y sensible, que proporciona el gusto por la riqueza ornamental de tradición oriental - seres fabulosos, plantas y animales- y un sentido más esbelto de las proporciones.
La Arquitectura
La arquitectura se manifiesta en Grecia, en torno a notables disposiciones constructivas propias para las asambleas políticas y para la práctica de los deportes, pero fue para la creación del templo que trabajaron principalmente los artistas.
El templo, cuya función era la de albergar la imagen antropomórfica de la divinidad, participa igualmente del carácter público y democrático de la sociedad.
La columna tuvo un carácter protagónico como elemento constructivo, para completar nuestra visión sobre los distintos tipos de templos, fijaremos entonces, nuestra atención a las variantes de columnas utilizadas por los constructores griegos, las cuales vienen a constituirse en símbolos de los componentes étnicos que formaron la Grecia histórica, la oriental y la occidental.
Las columnas griegas
Todo orden consta de dos partes esenciales: una sustentante, constituida por la columna, y otra sustentada, que es el entablamento, guardándose entre ellas una estrecha relación proporcional. La columna se articula en tres elementos: basa, fuste y capitel; el entablamento, a su vez, consta de arquitrabe, friso y cornisa.
Existen tres órdenes arquitectónicos en la arquitectura griega que distinguimos gracias a la forma de articularse proporcionalmente estos elementos entre sí: el estilo dórico, el jónico y el corintio.
La dórica, formalista, con tendencia a lo simbólico y abstracta en lo decorativo, que aporta un riguroso sistema proporcional y la jónica, más naturalista y sensible, que proporciona el gusto por la riqueza ornamental de tradición oriental - seres fabulosos, plantas y animales- y un sentido más esbelto de las proporciones.
La Arquitectura
La arquitectura se manifiesta en Grecia, en torno a notables disposiciones constructivas propias para las asambleas políticas y para la práctica de los deportes, pero fue para la creación del templo que trabajaron principalmente los artistas.
El templo, cuya función era la de albergar la imagen antropomórfica de la divinidad, participa igualmente del carácter público y democrático de la sociedad.
La columna tuvo un carácter protagónico como elemento constructivo, para completar nuestra visión sobre los distintos tipos de templos, fijaremos entonces, nuestra atención a las variantes de columnas utilizadas por los constructores griegos, las cuales vienen a constituirse en símbolos de los componentes étnicos que formaron la Grecia histórica, la oriental y la occidental.
Las columnas griegas
Todo orden consta de dos partes esenciales: una sustentante, constituida por la columna, y otra sustentada, que es el entablamento, guardándose entre ellas una estrecha relación proporcional. La columna se articula en tres elementos: basa, fuste y capitel; el entablamento, a su vez, consta de arquitrabe, friso y cornisa.
Existen tres órdenes arquitectónicos en la arquitectura griega que distinguimos gracias a la forma de articularse proporcionalmente estos elementos entre sí: el estilo dórico, el jónico y el corintio.
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| Estilos |
El más antiguo, el Orden Dórico(1), la columna no tiene basa, descansa sobre un fuste abombado y estriado. Su capitel consta de un equino que era un elemento redondo en forma de almohadilla y un bloque cuadrado llamado ábaco. Ambos elementos eran piezas robustas colocadas a escasa distancia para sujetar el peso de la mampostería.
El entablamento está formado por el arquitrabe liso, un friso de triglifos y metopas con relieves y una cornisa.
El Orden Jónico(2) se formó en la Jonia como resultado de la fusión de elementos de tradición egea y asiática. La columna es más esbelta que la dórica, tiene una basa moldurada, fuste acanalado y un capitel con forma de almohadilla plana que se enrolla en dos volutas bajo el ábaco; el entablamento está formado por un arquitrabe con fajas o bandas horizontales, friso con relieves, y cornisa con dentículos y una moldura de flechas y ovas.
El Orden Corintio(3) nace como variante del capitel jónico. El capitel, más ornamentado, consta de varias hileras superpuestas de hojas de acanto, acuáticas, etc. Según los casos, que forman generalmente volutas en los ángulos bajo el ábaco.
El desarrollo del arte griego dura aproximadamente un milenio, y se ha dividido en tres etapas:
Arquitectura
Los primeros templos griegos eran de madera y adobe, de dimensiones bastante modestas, en ambiente rectangular. Dado el material empleado, estos templos no han perdurado
Escultura
No se puede hablar de tendencias estilísticas a propósito de los más antiguos ejemplos están los Xoana, que eran figuras de madera, que se obtenían uniendo a un tronco central cilíndrico miembros y cabeza someramente modelados aparte.
Cerámica
El Orden Jónico(2) se formó en la Jonia como resultado de la fusión de elementos de tradición egea y asiática. La columna es más esbelta que la dórica, tiene una basa moldurada, fuste acanalado y un capitel con forma de almohadilla plana que se enrolla en dos volutas bajo el ábaco; el entablamento está formado por un arquitrabe con fajas o bandas horizontales, friso con relieves, y cornisa con dentículos y una moldura de flechas y ovas.
El Orden Corintio(3) nace como variante del capitel jónico. El capitel, más ornamentado, consta de varias hileras superpuestas de hojas de acanto, acuáticas, etc. Según los casos, que forman generalmente volutas en los ángulos bajo el ábaco.
El desarrollo del arte griego dura aproximadamente un milenio, y se ha dividido en tres etapas:
Medioevo Helénico (1000 - 700 a.C.)
Arquitectura
Los primeros templos griegos eran de madera y adobe, de dimensiones bastante modestas, en ambiente rectangular. Dado el material empleado, estos templos no han perdurado
Escultura
No se puede hablar de tendencias estilísticas a propósito de los más antiguos ejemplos están los Xoana, que eran figuras de madera, que se obtenían uniendo a un tronco central cilíndrico miembros y cabeza someramente modelados aparte.
Cerámica
La decoración consiste en motivos geométricos (círculos, triángulos, cruces) trazados en negro sobre la superficie roja de la vasija: también con figuras humanas geometrizadas. Algunos de estos vasos son de proporciones monumentales y superan, incluso, el metro de altura.
Época Arcaica (700 - 480 a.C.)
Se sustituye la madera por la piedra, se alarga la planta rectangular originaria y las columnas son de proporciones más bien robustas y están colocadas bastante cerca una de la otra, para sostener mejor el entablamento, que se ha vuelto, con el uso de la piedra, muy pesado.
El estilo dórico (que aparece en el Peloponeso, en Italia meridional y Sicilia) tiene como elemento característico la columna dórica. El entablamento consta de un arquitrabe liso, de un friso (compuesto de metopas y triglifos alternados con matemático rigor) y de una cornisa.
Escultura
A las primeras esculturas de madera siguen, en este período, obras de diferentes materiales: marfil, hueso, terracota, bronce y mármol. Los temas más recurrentes son el del joven en pie y desnudo, y el de la doncella, vestida, de pie o sentada.
La figura aparece inmóvil y rígida con los brazos tiesos a lo largo del cuerpo y con una de las piernas dando un paso adelante. La expresión del rostro presenta generalmente una sonrisa fija; los cabellos, largos y rígidos, descienden sobre la espalda entrelazados en trencillas paralelas. La estructura de algunas estatuas de mujer es extremadamente simplificada, recuerda el tronco de un árbol o el fuste de una columna. Los pliegues, tratados en forma paralela, uno al lado del otro, conforman una vestimenta que apenas logra animar el conjunto.
Cerámica
La decoración cerámica en este período toma sus motivos del arte asirio y egipcio: conjunto de animales fantásticos, dispuestos en fajas paralelas, cubren los vasos. Se impone la técnica de las figuras en rojo (cerámica de Atenas): en éstas se reserva el color natural rojo-ocre del vaso, mientras que el fondo está cubierto con un barniz negro brillante. Los detalles internos de las figuras son trazados con delgadas líneas negras o de color, violeta o blanco.
Luego, aparece una importante innovación: las figuras son diseñadas en negro sobre el fondo natural del vaso, mientras los detalles internos están incisos o puestos en relieve con colores. La nueva técnica, además de ser menos costosa, permite al artista una libertad mayor y se afirma cada vez más.
Período Clásico (480-323 a.C.)
En este período se aprecian dos estilos en la escultura clásica.
Estilo Severo (480-450 a.C.)
Arquitectura
Las formas dóricas se tornan más ligeras por el influjo jónico: el fuste de la columna se vuelve más esbelto. Pero en este período, se retorna a formas más macizas y pesadas, como en el período antiguo.
Las formas dóricas se tornan más ligeras por el influjo jónico: el fuste de la columna se vuelve más esbelto. Pero en este período, se retorna a formas más macizas y pesadas, como en el período antiguo.
Escultura
Se abandona la frontalidad, la articulación más grácil y flexible de la figura en movimiento, el atento estudio de la anatomía, caracterizan a toda la producción escultórica de este período. La técnica de fundición del bronce evoluciona. Los rostros dejan de ser impasibles y pierden su fija sonrisa arcaica: expresan toda la gama de sentimientos; las cabelleras masculinas no caen rígidamente sobre las espaldas, sino que están recogidas como en un casquete de pequeños rizos que a veces esconden parte de la frente. Su temática generalmente evoca a los dioses de la mitología griega.
Pintura y Cerámica
No ha quedado nada de la producción pictórica de este período. Se sabe que se produjeron importantes innovaciones. Existe un primer esbozo de perspectiva y se les añade algún elemento ornamental.
Estilo Áureo (450-323 a.C.)
Arquitectura
Se funden los elementos dóricos y jónicos. El Partenón, templo de orden dórico, muestra un friso continuo (elemento jónico), y las columnas son jónicas. Se afirma el orden corintio, frecuentemente combinado -sobretodo en el interior de los edificios- con el orden dórico. Incluso en el estilo jónico aparecen modificaciones: el tratamiento figurativo del friso es substituido por una hilera de dentículos, como en los tiempos más antiguos.
Escultura
Se conservan bellos y fastuosos los frisos con sus decoraciones escultóricas, los frontones y las metopas del Partenón. Obras creadas por Fidias, las que son poderosas y solemnes: los cuerpos están tratados en grandes planos, y sobre todo, los femeninos, los paños muy plegados aligeran la solidez del todo. En el largo friso escenas de personajes en movimiento alternan con las de figuras estáticas, pero de todas ellas emana una nueva sensación de compuesta serenidad íntima. Los rostros han sido notablemente idealizados; es decir, que se apartan del naturalismo retratista para crear arquetipos .
Escultores:
Mirón
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| El Discóbolo |
El estudio anatómico fue su principal preocupación. Cada músculo, cada tendón del atleta es revelado con sabiduría en el momento de su máximo esfuerzo y tensión; no se presta atención, en cambio, a la expresión del rostro.
Policleto
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| Doríforo |
También estudia el cuerpo de los atletas jóvenes pero busca captar las actitudes del reposo: sus figuras son más sólidas, no excesivamente esbeltas, y de cabeza pequeña. Sus miembros han sido dispuestos con la intención de alternar efectos de acción y reposo.
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| Venus de Cnido |
Amó los delicados contrastes de valores, dio una gracia femenina a los cuerpos masculinos y prefirió representar la figura de la mujer, que fue el primero en mostrar completamente desnuda. Los rostros de sus creaciones traducen una soñadora melancolía. En sus figuras, que nunca son tensas, no se subraya la acción muscular: por el contrario, aun los dioses más jóvenes y robustos son representados en actitudes de lánguido abandono.
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| Atleta |
Pintura
Los pintores de esta época pintaban ya sus cuadros con cuatro colores -blanco, rojo, negro y amarillo- logrando dar la sensación de la perspectiva y de las sombras obtenidas con un plumeado (líneas entrecruzadas) trazado a lo largo de la línea que delimitaba las figuras. No ha perdurado ninguna de estas pinturas y sólo sabemos de ellas por referencias literarias. La pintura en cerámica siguió los mismos lineamientos.
Período Helenístico (323-30 a.C.)
Arquitectura
Los templos helenísticos muestran una nueva monumentalidad por sus proporciones. Se mezclan los órdenes jónico y dórico; el orden corintio, es usado en forma aislada. Aparecen los edificios públicos de planta rectangular, divididos en varias naves por hileras de columnas (anticipación de la basílica romana). Son típicos también los altares monumentales construídos sobre basamentos adornados con relieves y dotados de grandes escalinatas de acceso. Su aspecto de conjunto es teatral.
Escultura
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| Galo Moribundo |
Las tendencias estilísticas de la escultura helenística son diversas y contrastantes. En la escuela de Pérgamo surgen obras de contenido fuertemente dramático: las figuras de hombres y dioses en lucha se caracterizan por su movimiento agitado; las expresiones de los rostros están marcadas con vigor y a veces las altera el terror; las cabelleras caen desordenadamente sobre la espalda, mientras los paños se arremolinan al viento: el efecto del conjunto es similar al que se logra en el estilo barroco del siglo XVII de nuestra era.
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| La gálata suicida |
Algunos artistas prefieren, en cambio, inspirarse en temas menores y graciosos de la vida cotidiana, dando así vida a escenas costumbristas; o bien representan a faunos y sátiros danzando o amorcillos con animales; otros ejecutan obras de un verismo desconcertante, en que subrayan los rasgos de la vejez y de la miseria. So frecuentes los retratos de poetas y pensadores en que el escultor traduce con acierto el carácter o el alma de un personaje, más que sus rasgos individuales. Nace un nuevo interés por las formas y los temas arcaicos (korai, procesiones de ninfas, etc.), reelaborados de acuerdo con una preferencia por las líneas sinuosas y los efectos rebuscados, del todo ajena al legítimo espíritu de la Grecia más antigua.
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| El Laoconte |
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| Eros y Psiquis |
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| El Toro Farnesio |
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| Venus de Samotracia |
NOTA: Todas estas esculturas fueron copiadas por los romanos y son éstas reproducciones las que perduraron para que pudieramos apreciarlas.
Pintura
Tal como sucede en la escultura, los temas caros a los pintores helenísticos son extraídos de la vida cotidiana o de escenas idílicas o míticas. Una técnica muy usada es la llamada “somera”, que es la de las pinceladas espontáneas y las manchas de color.
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